La mejor fotografía de moda, en el Museu del Disseny de Barcelona
'Distinción. Un siglo de fotografía de moda’ repasa la historia de esta disciplina desde la época del Modernismo hasta la actualidad con imágenes de mejores profesionales.
13/01/2016
¿Cuáles han sido las características comunes de la fotografía de moda a lo largo del tiempo? ¿Cómo ha evolucionado? ¿Por qué ejerce una fascinación tan grande? A estas preguntas busca respuesta la exposición 'Distinción. Un siglo de fotografía de moda’, que acoge el Museu de Disseny de Barcelona hasta el ...
¿Cuáles han sido las características comunes de la fotografía de moda a lo largo del tiempo? ¿Cómo ha evolucionado? ¿Por qué ejerce una fascinación tan grande? A estas preguntas busca respuesta la exposición 'Distinción. Un siglo de fotografía de moda’, que acoge el Museu de Disseny de Barcelona hasta el próximo 27 de marzo. Por primera vez se muestra una parte importante de la Colección de fotografía de moda que el museo ha creado en los últimos años. Esta exposición subraya la singularidad, la originalidad y la influencia, que se extiende a múltiples aspectos de nuestra vida a través de 160 imágenes de 38 fotógrafos.
El comisario Juan Naranjo ha escogido el concepto de Distinción, el cual tiene un doble sentido: la elegancia –que es una característica intrínseca de la moda- y la diferencia, que conecta con las vanguardias artísticas. Desde la época del modernismo –cuando las revistas impresas en papel de alta calidad empezaron a reproducir fotografías de modelos y vestidos— hasta los medios digitales actuales: seducción, provocación y glamour.
La colección cuenta con todos los grandes nombres de la fotografía de moda, en Cataluña y España: Ramon Batlles, Camisans, Pere Casas Abarca, Compal, Josep Compté, Juan Gyenes, Hortolà , Jafer, Man, Antoni Ollé, Paul M. Pietzch, Josep Sala, Samuel Suñé, Adler & Fresneda, Pep Àvila, Antoni Bernad, Juana Biarnés, Alejandro Cabrera, Biel Capllonch, Ferran Casanova, Manel Esclusa, Maria Espeus, José Manuel Ferrater, Enric Galceran, Sergi Jasanada, Virgili Jubero, Oriol Maspons, Esperanza Moya, Xevi Muntané, Manuel Outumuro, Leopoldo Pomés, Sergi Pons, Eugenio Recuenco, Daniel Riera, Carles Roig, César Segarra, Javier Vallhonrat, Txema Yeste.
Fotografía y moda antes de la fotografía de moda
Pere Casas Abarca fue uno de los pocos creadores modernistas que experimentaron con la fotografía en el campo de la publicidad, a partir de un nuevo modelo de mujer que adoptaba una actitud moderna, lo que se reflejaba en su forma de vestir. Sus fotografías no fueron realizadas para promocionar la moda, pero preconizan las futuras pautas de la fotografía de moda, al mostrar atmósferas y estilos de vida que van más allá de la mera descripción de los vestidos. Sus imágenes están en consonancia con las que realizaron Gustav Klimt y Mariano Fortuny, que podemos considerar el origen de la fotografía de moda moderna.
Nueva Visión
La consolidación de la alta costura en la década de 1930 coincidió con la renovación del lenguaje visual que introdujeron revistas como D’Ací i D’Allà, Tricornio, Las cuatro estaciones, Imatges o Ford. Estas publicaciones fueron las plataformas de difusión de la vida moderna, y firmas como Santa Eulalia, El Dique Flotante, Badía o La Innovación las eligieron para promocionar sus creaciones.
En este período surgió la primera generación española de fotógrafos de moda, un grupo de jóvenes —entre ellos Josep Sala, Ramón Batlles, Compal, Samuel Suñé y Antoni Ollé Pinell— que utilizaron los recursos estéticos de la llamada Nueva Visión: descentramientos del eje de simetría, fragmentación, puntos de vista inusuales... Sus fotografías fueron utilizadas para ilustrar artículos y como publicidad de los creadores de alta costura en las revistas citadas, que difundieron la modernidad en España.
Interiores y exteriores
Las páginas de Alta Costura (Barcelona 1943-1969), primera gran publicación que dio visibilidad a la fotografía de moda en España, nos acercan a los ideales femeninos que se utilizaron para seducir a las mujeres en la larga posguerra. En la década de 1940, se proyectó la imagen de una mujer con carácter, seductora y misteriosa, asociada a la de las famosas estrellas del cine. Los fotógrafos utilizaron la estética de los grandes retratistas de Hollywood, y recurrieron a los interiores, a la iluminación, para crear una atmósfera dramática e intensa que resaltase la belleza y la sensualidad, que confiriese misterio y alejase a las modelos de la cotidianidad.
Entre finales de los años cuarenta y la década de 1950, las grandes editoras y los fotógrafos de moda recurrieron a los exteriores urbanos para lanzar la imagen de una mujer más terrenal, moderna, elegante y activa, basada en el New Look propuesto por Christian Dior.
Movimientos
En la década de 1960, surgieron una serie de movimientos artísticos, contraculturales y subgrupos urbanos —el pop art, los mods y
los hippies, entre otros— integrados por colectivos jóvenes. Su posicionamiento frente a los conflictos bélicos y las diferencias raciales, sociales y sexuales marcó los debates de la época y cambió radicalmente la concepción de la moda.
los hippies, entre otros— integrados por colectivos jóvenes. Su posicionamiento frente a los conflictos bélicos y las diferencias raciales, sociales y sexuales marcó los debates de la época y cambió radicalmente la concepción de la moda.
El concepto de movimiento estuvo muy presente en la fotografía de moda de los años sesenta. Los fotógrafos empezaron a introducir temas relacionados con la danza, y las modelos eran fotografiadas con posturas y gestos que emulaban los de los bailarines. Recuperaron asimismo la estética de la fotografía instantánea, que mostraba el movimiento plasmado por algunos fotógrafos en las décadas de 1930 y 1940.
Escenificaciones y fantasías
Por su automatismo, su poder de evocación y su naturalismo, la fotografía ha sido considerada uno de los medios de registro más realistas. Esas características la convierten también en el medio idóneo para subvertir la realidad. En la fotografía de moda, la realidad siempre es intervenida, simulada o recreada. Los fotógrafos parten de la escenificación, de las proyecciones, para acercarnos a una realidad amplificada, idealizada y extraordinaria, para transmitir ideas y sensaciones, para seducir.
Los fotógrafos de este ámbito crean imágenes futuristas, mágicas, oníricas o provocadoras a partir de narraciones asociadas al cine y a la literatura, a la estética surrealista. Nos acercan a las fantasías eróticas y nos muestran angustias, miedos y tensiones que convierten en extraordinario lo ordinario.
Identidad y diferencia
El retrato es una de las prácticas fotográficas con mayor visibilidad en las revistas de moda, y una de las más utilizadas en las redes sociales. Su concepción se ha ido modificando. Durante gran parte del siglo xx, en la promoción de la moda predominaron los retratos, como signo de distinción y de poder. Los cambios radicales que se iniciaron en la década de 1960 posibilitaron un nuevo tipo de acercamiento al retrato, en el que la imagen del otro, en un sentido amplio, empezaba a ser visible.
Los editores y fotógrafos de moda empezaron a jugar con conceptos como identidad y diferencia, a fin de relacionar sus creaciones con las nuevas corrientes de pensamiento. Sus fotografías se asocian o transgreden las nociones establecidas en torno a clase, sexo, religión, gusto o cultura, e ilustran las concepciones y los debates que se producían en la época en que fueron realizadas.
Paisajes
Paisaje urbano o natural, naturaleza y artificio, son conceptos fundamentales en los debates en torno a la noción de paisaje, que han estado muy presentes en la fotografía de moda. Durante gran parte del siglo xx, Nueva York ha formado parte del imaginario colectivo como el paisaje urbano por excelencia. La vida en la ciudad y los rascacielos han sido utilizados frecuentemente como escenarios naturales por los fotógrafos de moda, como un símbolo de progreso, éxito y modernidad.
La introducción de nuevas teorías, la ecología, la sensibilidad medioambiental, han propiciado que los fotógrafos de moda y de publicidad recurran a espacios naturales sin humanizar, territorios agrestes, áridos y desérticos, carentes de referentes temporales, culturales y sociales; unos paisajes que pueden formar parte del futuro o del pasado. Espacios vacíos, ambiguos, que se cargan de referentes a partir de las proyecciones de los editores y fotógrafos, de sus ideas o conceptos.
La mejor colección de fotografía de moda de España
Esta exposición permite presentar públicamente el trabajo realizado por el Museu del Disseny de Barcelona en el campo de la fotografía de moda. En los últimos años, se ha creado una colección de fotografía de moda, desde 1902 hasta el día de hoy, cuenta con las donaciones, la colaboración y la complicidad de algunos de los fotógrafos más destacados en la actualidad, a quién también quiere rendir homenaje con esta exposición. La colección no está cerrada y tiene previsto ir incorporando nueva fotografías.
'Distinción. Un siglo de fotografía de moda’
Hasta el 27-3-2016
Museu del Disseny de Barcelona
Sala B
Pl. de les Glòries Catalanes, 37-38
Barcelona
Telf. 93 256 68 00
Entrada general: 4,40 €
Entrada reducida: 3 €
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